Artes visuales y exposiciones
Museo Städel, "Into the new", obras de Jackson Pollock a Louise Bourgeois
Juan Carlos Tellechea

Por primera vez en más de 25 años, el
prestigioso Museo Städel, de Fráncfort
del Meno, ha dedicado una exposición al arte gráfico estadounidense sobre papel
desde 1945 hasta la actualidad. La muestra, titulada Into the New. Menschsein (del 6 de abril al 17 de julio), y concebida temáticamente ha sido un
emocionante redescubrimiento y ha mostrado la importancia impulsora del grabado
hasta el arte contemporáneo por medio de artistas pioneros.
Fueron presentados aquí alrededor de 50
grabados, dibujos y múltiples
de destacados creadores como Louise Bourgeois, Chuck Close, Jim Dine, Jasper Johns, Bruce Nauman, Jackson Pollock, Larry Rivers, Kiki Smith y Kara Walker, todos ellos
tratando el tema de la condición humana.
El arte estadounidense de los últimos ochenta
años está lleno de transgresiones y contradicciones. Es tan poco convencional
como multifacético: expresionismo abstracto, arte pop, arte conceptual, arte
minimalista y arte de la performance. En un periodo relativamente corto después
de 1945, se desarrollaron en Nueva York y (más tarde) en la Costa Oeste de los
Estados Unidos diversos conceptos estéticos, a veces contradictorios, afirma la
historiadora del arte Dra. Regina Freyberger, directora de la sección gráfica
(desde 1750) del Museo Städel, y editora del catálogo,
publicado por la renombrada editorial Sandstein,
de Dresde.*
Los artistas elegían el medio y el material de
forma libre y estratégica, en función de la declaración que querían hacer. El
grabado desempeñó un papel fundamental en este sentido. Como laboratorio de
experimentación de formas y contenidos, abrió nuevos caminos a los artistas.
Desde la década de 1960, esto ha ido de la mano con la fundación de nuevos
talleres de impresión y papel. En estrecha colaboración, se crearon allí
grabados y objetos reproducidos de exquisito refinamiento técnico, a menudo en
formatos de gran tamaño. Esta revolución gráfica pasó a la historia del arte
como el Boom Gráfico.
Bajo la influencia de las siempre nuevas
convulsiones y crisis políticas, económicas y sociales del siglo XX, muchas
obras tratan la cuestión de la existencia humana. La representación natural de
la figura humana se sustituye por lo simbólicamente abstracto, el fragmento, la
huella, incluso el espacio en blanco. La percepción y la experiencia humanas se
reflejan como extractos y el lenguaje se ilumina como instrumento para
describir el mundo.
Humanidad, lema de la exhibición
Las litografías de Kiki Smith parecen brotar en todas las direcciones sobre papel japonés hecho a mano como si fueran fuegos artificiales. Hair es el nombre de esta obra de 1990.
A partir de
este dato, uno también se puede imaginar que la artista germano-estadounidense,
nacida en Núremberg en 1954, simplemente se echó el pelo por encima de la cabeza
y lo agitó, para adoptarlo como motivo de la obra.
Las nuevas técnicas de impresión ofrecen un
campo ideal para la experimentación. La disolución de la figura, la percepción
extemporánea o el texto y el lenguaje en el arte son algunos de los criterios
según los cuales se estructura la muestra. Era un área de experimentación ideal
para los artistas que querían distanciarse del expresionismo abstracto, que se
consideraba muy individualizado. El uso de la tecnología se volvió cada vez más
audaz.
Las impresiones pueden copiarse, reproducirse y
producirse en serie. Esto condujo a una nueva imagen de los artistas y al
llamado boom gráfico, una revolución de la impresión en la historia
del arte.
Jackson
El Dr. Philipp Demandt, historiador
del arte y director del Städel Museum, acerca de la exposición:
El Städel Museum lleva coleccionando arte contemporáneo estadounidense sobre papel desde la década de 1960. En la actualidad, la colección incluye importantes obras desde Jackson Pollock hasta Louise Bourgeois. Después de más de 25 años, volvemos a echar un vistazo a esta destacada colección y presentamos también las recientes adquisiciones. Merece la pena volver a examinar todas estas obras bajo nuevos aspectos y hacerlas accesibles al público. El hecho de que hayamos podido ampliar nuestros fondos durante décadas se lo debemos especialmente a la Fundación Heinz y Gisela Friederichs que celebró el 30º aniversario de su creación en 2021: su gran compromiso con el arte sobre papel apoya esta área de la colección y también esta exposición.
Con la realización de la muestra Into the New. Menschsein el Museo Städel ha querido asimismo homenajear a su importante mecenas la Sra. Gisela Friedrichs, recientemente fallecida en Fráncfort del Meno. Se pueden realizar importantes adquisiciones suplementarias en el área de grabados y dibujos gracias al apoyo de la Städelscher Museums-Verein e.V.
Arte moderno
Desde finales de la década de 1940, importantes
impulsos para el mundo del arte occidental han emanado del arte estadounidense.
El grabado en particular, con su gran potencial experimental, fue decisivo
aquí. La exposición recorre este impulso creativo, pero no en una visión
sistemática de la historia del desarrollo, por así decirlo, sino en relación
con una cuestión temática surgida del trabajo con la propia colección del
museo.
Como reacción a las múltiples crisis y
convulsiones del siglo XX, tras las guerras y el uso de armas de destrucción
masiva, muchos artistas reflexionaron una y otra vez en sus obras sobre la
cuestión de lo humano universal, una cuestión que no podría ser más
actual, acota la Dra. Regina Freyberger, quien oficia además de comisaria
de la exhibición.
El Städel comenzó a coleccionar arte americano
contemporáneo sobre papel al mismo tiempo que el boom gráfico; hoy
constituye uno de los puntos centrales del Departamento de Grabados y Dibujos
de dicha entidad.
Disolución de la figura
Cuando el arte reflexiona sobre la condición
humana, lo hace ante todo a través de la representación del ser humano y su
cuerpo. Sin embargo, ya en el siglo XIX, los descubrimientos científicos y las
convulsiones sociales habían cambiado la imagen del hombre. La idea de que el
hombre podía ser descrito de forma exhaustiva mediante una reproducción fiel de
su aspecto exterior perdería su convicción. En el arte, la figura se disolverá
en paráfrasis.
En sus obras, Jackson Pollock o David Smith
diseñan al ser humano como símbolo pictórico de validez universal. Sus figuras
están muy simplificadas, parecen arcaicas, prehistóricas y, por tanto, son
supratemporales, como en la Figura de Pollock (1948). En su xilografía de gran
formato Angel of Death (1959), Leonard Baskin deshilachó
el cuerpo en líneas curvas, revelando su fragilidad física y psicológica.
El cuerpo fragmentado de esta manera subraya la
vulnerabilidad del ser humano y sugiere una pérdida final. Esto también es
cierto, y más aún, cuando la obra de arte solo muestra las huellas que ha dejado
el cuerpo.
George
Lo incompleto
La percepción humana está determinada por innumerables
impresiones sensoriales que son en sí mismas fragmentarias. El fragmento en la
obra de George Segal o Jim Dine se refiere a esta experiencia, a lo incompleto
y, por tanto, a la subjetividad de la visión humana del mundo. También es un
tema básico de la serie Photographs & Etchings, para la que Jim Dine y Lee
Friedlander combinaron alegremente contenidos incompatibles en 1969.
Las fotografías de Friedlander, tomadas durante
sus viajes por Estados Unidos, están tomadas a mano con una cámara de rollo.
Parecen instantáneas espontáneas desde perspectivas sorprendentes. El propio
Friedlander está a menudo presente: en las sombras, en los reflejos, en sus
pies. No es un observador ajeno.
Los grabados de Dine describen una perspectiva
igualmente personal: sus motivos tienen un alto contenido autobiográfico y
emocional para el artista. El albornoz ha sido su autorretrato metafórico desde
1964; las herramientas representadas en sus obras están vinculadas a los
recuerdos de la ferretería de su familia. Dine y Friedlander no ofrecen una
visión objetiva y universal del mundo, sino una profundamente subjetiva.
Presente Ausente
El cuerpo humano, impreso y moldeado, se
convierte ya en una herramienta artística en la obra de Jasper Johns o Kiki
Smith. Pero allí conserva un contenido espiritual que va más allá de lo
sensualmente tangible. Para Bruce
También para Robert Longo, la persona que es fotografiada y cuya foto se traduce en una obra de arte no es el sujeto. En sus composiciones cuadriculadas, como Self-Portrait (1999), Chuck Close más bien rastrea la construcción de la representación humana. o
A
Memoria y recuerdo
Los recuerdos y las experiencias conectan y
distinguen a las personas. Sin embargo, nunca se pueden evocar todos los
recuerdos en su totalidad, sino que los estímulos externos pueden desencadenar
recuerdos de forma espontánea y sin que se les pida. Louise Bourgeois o Jim
Dine reflejan a menudo esta memoria biográfica en su arte, que configura la
identidad individual y da forma a la acción.
Al mismo tiempo, las personas están
influenciadas por los recuerdos sociales o colectivos que los anclan a través
de las épocas en un grupo específico de personas. La violencia estructural o
las relaciones de poder desiguales pueden llevar a que no se escuchen todas las
voces, a que se excluyan, repriman o sobrescriban sus memorias. Kara Walker
trabaja para interrogar críticamente a tales marcos de memoria. Se centra en el
"tesoro de sufrimiento" (Aby Warburg) del tráfico
transatlántico de personas y la esclavitud en Estados Unidos. Con exagerados
clichés racistas y sexistas, nos anima a tomar conciencia de nuestra propia
memoria colectiva, a examinarla y ajustarla. La exposición lo demuestra a
través de la serie de grabados An Unpeopled Land in Uncharted Waters (2010).
Texto y lenguaje
El lenguaje define la relación del yo con el
mundo. Permite al ser humano describir, reconocer y comprender lo que le rodea,
lo que siente; permite el intercambio y la comunicación. El hecho de que el
hombre sea un ser lingüístico se refleja de diversas maneras en el arte: en los
jeroglíficos de figuras de David Smith, por ejemplo, o en los aparentes signos
escritos y pictóricos con los que Mark Tobey traduce
visualmente la experiencia de la ciudad moderna. Dorothy Dehner en Letter
(1953) o Louise
Nevelson también trabajan con un vocabulario pictórico de formas que
recuerda al lenguaje y la escritura, pero que no puede leerse como texto.
En cambio, las inscripciones con las que Ed Ruscha han abordado
también la condicionalidad y la ambigüedad del lenguaje y la escritura.
Concentrarse en el periodo de posguerra, a
partir de Jackson Pollock, y terminar predominantemente en los años noventa,
aporta una visión inesperada: el arte estadounidense, que según la opinión
común es casi siempre abstracto y, según el crítico Clement Greenberg, tan plano como una tabla, ofrece innumerables imágenes de personas,
quizá precisamente como contrapartida a los grandes formatos abstractos
paralelos de la pintura.
No es de extrañar, ya que, por un lado, el
trabajo sobre papel es a menudo un camino experimental hacia la obra terminada
que aún no ha sido abstraída del todo, el notorio disegno como un
primer lanzamiento que ya contiene todo lo que sigue, pero lo mantiene aún más
claramente visible. Por otra parte, el papel como soporte pictórico permite una
mayor cercanía que el lienzo, sencillamente porque desde la época del jardín de
infancia y la escuela todos estamos íntimamente familiarizados con el material
orgánico-madera como portador de nuestras anotaciones cotidianas y rápidas.
Si algo demuestra la exposición del Städel es
la escrupulosidad, a veces extraña, con la que los artistas estadounidenses
buscaron durante años los papeles más adecuados, los crearon ellos mismos o
trabajaron con los impresores hasta tirarse de los pelos. La historia del arte
llama a esta fundación en serie de nuevos talleres de impresión y papel en los
años sesenta, especialmente en Nueva York, el Boom Gráfico.
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