Future Bodies from a Recent Past, en Múnich

El prestigioso Museo Brandhorst, de Múnich, da vida desde el 2 de junio al 15 de enero de 2023 a un singular fenómeno hasta ahora poco conocido en el arte y especialmente en la escultura: la interpretación recíproca del cuerpo y la tecnología. Con unas 120 obras y varias instalaciones a gran escala de unos 60 artistas, la exposición está dedicada a los principales avances tecnológicos desde la Segunda Guerra Mundial y examina su influencia en nuestras ideas sobre el cuerpo.

La muestra, titulada Future Bodies from a Recent Past – Skulptur, Technologie, Körper seit den 1950er Jahren (Cuerpos futuros de un pasado reciente – escultura, tecnología, cuerpos desde la década de 1950), presenta obras de artistas como Yayoi Kusama, Bruce Nauman, Eva Hesse, Arthur Jafa y Sarah Lucas, Rebecca Horn, Genpei Akasegawa, Paweł Althamer, Nairy Baghramian, Joachim Bandau, Matthew Barney, Alexandra Bircken, Louise Bourgeois, Robert Breer, Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely.

Pero también examina de cerca cómo ha cambiado la relación entre el ser humano y la tecnología a través de las creaciones de John Chamberlain, Barbara Chase-Riboud, Shu Lea Cheang, Jesse Darling, Stephanie Dinkins, Aleksandra Domanović, Melvin Edwards, Bruno Gironcoli, Robert Gober, Félix Gonzalez-Torres, Nancy Grossman, Lynn Hershman Leeson, Judith Hopf, Tishan Hsu, Edward Ihnatowicz, Motoharu Jônouchi,

Nuestra imagen

Hasta qué punto se han difuminado los límites y qué influencia tiene esto en la imagen que tenemos de nosotros mismos lo apreciamos en piezas de creadores como KAYA, Kiki Kogelnik, Shigeko Kubota, Tetsumi Kudo y Senga Nengudi, entre otros. La muestra es comisariada por la historiadora del arte Dra. Patrizia Dander, conservadora jefe del Museo Brandhorst, con la colaboración científica de Franziska Linhardt.

El arte contemporáneo se caracteriza por examinar la relación entre el cuerpo y la tecnología. Muchas obras de arte de los últimos años reflejan cómo nos experimentamos a nosotros mismos y cómo lo hacemos con nuestro entorno en un presente altamente tecnológico y conectado a la red. Pero esto se remonta al siglo XX.

El periodo de posguerra estuvo marcado por un rápido cambio tecnológico, que siempre se ha instrumentalizado ideológicamente. Satisfacía tanto la necesidad de algo nuevo como de superar los traumas de la guerra. Al mismo tiempo, la tecnología se convirtió en un foco de preocupación por las amenazas globales y el miedo al cambio o incluso a la pérdida de control.

Comprensión

En este amplio espectro de euforia por el futuro y distanciamiento crítico, la escultura también se ocupó de las nuevas tecnologías, que pueden ser tanto un medio de emancipación como de vigilancia y control (externo), y que influyen profundamente en la comprensión de los cuerpos.

En dos plantas del museo se exhibe por primera vez un marco de referencia estructurado para esta narración, que se extiende desde la posguerra hasta el presente.

En el proceso, queda claro que la escultura es especialmente adecuada para recoger y reflexionar sobre estos cambios, porque no solo es en sí mismo un cuerpo en el espacio y, por tanto, una superficie de proyección para nuestra propia corporeidad.

También comparte sus materiales y métodos de producción con el mundo que nos rodea. Esta permeabilidad a las influencias externas también es evidente en las obras de la exposición. Emprende un viaje a través de las formas y modos de expresión de la escultura, que ha cambiado más en los últimos 70 años que probablemente nunca antes en su larga historia.

Alteraciones

¿Cómo ha cambiado la relación entre el ser humano y la tecnología desde el decenio de 1950? ¿Se pueden seguir trazando claramente los límites? ¿Dónde empiezan y terminan nuestras extensiones digitales como los ordenadores o los teléfonos móviles? ¿Qué significa esto para nuestras ideas de corporeidad y materialidad? ¿Y qué efectos sociales tienen estos desarrollos en nuestra imagen (colectiva) de nosotros mismos?

La exposición explora estas cuestiones con obras de Genpei Akasegawa, Paweł Althamer, Nairy Baghramian, Joachim Bandau, Matthew Barney, Alexandra Bircken, Louise Bourgeois, Robert Breer, John Chamberlain, Barbara Chase-Riboud, Shu Lea Cheang, Jesse Darling, Stephanie Dinkins, Aleksandra Domanović, Melvin Edwards, Bruno Gironcoli, Robert Gober, Félix Gonzalez-Torres, Nancy Grossman, Lynn Hershman Leeson, Eva Hesse y Judith Hopf.

Recorrido

¿Quién declara su amor a quién? ¿El humano a la máquina o la máquina al humano? ¿O es que ya no se puede diferenciar? ¿Hace tiempo que la tecnología y el cuerpo se han unido? ¿Cómo han influido los avances tecnológicos y los dispositivos móviles en nosotros y en nuestra vida cotidiana?

Estas son las cuestiones que aborda la exposición. 120 obras -en su mayoría esculturas exploran la polifacética interacción entre la criatura y el dispositivo, el organismo y la máquina, que se abre en todas las direcciones.

Gente de Bródno de tamaño natural de Pawel Althamer, de 2010, son un comienzo imponente: un tren de siete figuras híbridas y tecnificadas -una de ellas todavía empujando un cochecito- compuestas por objetos y ropa encontrados rociados con plata. Este colectivo con aspecto de cosmonauta, procedente del barrio de viviendas prefabricadas de Bródno, en Varsovia, se encuentra a medio camino entre la salida futurista y la distopía existencial.

Entusiasmo, pero miedo a la tecnología

Una ambivalencia que recorre todo el espectáculo: Junto a todo el entusiasmo por la tecnología, siempre existe el temor de lo que las tecnologías hacen al cuerpo, de cómo lo cambian, de si pueden hacerlo desaparecer del todo. El Electric Dress de Atsuko Tanaka, por ejemplo, es un vestido de performance hecho de bombillas pintadas y tubos fluorescentes que cuelgan sobre un exoesqueleto y se encienden cada pocos minutos para enviar señales luminosas.

Para la conservadora y comisaria Patrizia Dander, la obra es tan interesante porque representa la electrificación de la vida. Pero también encontró en la electrificación una metáfora de las fuerzas que afectan al cuerpo.

Es sorprendente asimismo ver cómo Tanaka ya había imaginado en 1956 un tipo de escultura totalmente desligada de las convenciones y estática:

Pero lo que Atsuko Tanaka abordaba no era solo este entusiasmo, esta euforia por estos cambios. Llevar este vestido fue una experiencia extremadamente constrictiva para la artista. Se calienta ahí dentro, le preocupaba que al encenderlo recibiera una descarga eléctrica y muriera por ello.

Escenario

Bina48 es un robot humanoide con conocimientos filosóficos y la capacidad de expresar sus propios pensamientos y emociones, algo que ya ha hecho en entrevistas con el New York Times o con el programa de televisión matutino CBS Morning News.

La artista interdisciplinaria Stephanie Dinkins lleva años manteniendo conversaciones con Bina48 y grabándolas. Esto ha dado lugar a la obra de vídeo-espejo "Conversaciones con Bina48".

Los artistas siempre han estado fascinados por el progreso tecnológico. La exposición muestra cómo esta fascinación ha influido en su concepción del cuerpo y la escultura.

Fue la empresaria tecnológica estadounidense Martine Rothblatt quien hizo crear a Bina48 como un clon sintético de su esposa Bina Aspen. Detrás del busto robótico de aspecto humano hay un asistente de voz con función de chatbot, similar al de Siri y Alexa.

Aunque las expresiones faciales parecen algo artificiales, los pensamientos son complejos y el discurso es elocuente. Además, Bina48 no solo reacciona, sino que actúa, establece nuevos temas, asume la conversación, expresa sus sentimientos.

Aterrador

Su capacidad de aprendizaje intelectual y emocional es tan grande que la frontera entre la inteligencia humana y la artificial es fluida y el resultado parece francamente aterrador para algunos espectadores. En su realización artística, Dinkins intenta, sin embargo, dejar claro este límite: Fascinación sí, creencia tecnológica acrítica no.

La cuestión se centra en las siguientes interrogantes: ¿Cómo han cambiado los avances tecnológicos de estas décadas las ideas sobre los cuerpos? ¿Cómo afrontan los artistas los nuevos materiales y los avances técnicos, como la impresión en 3D o la IA? ¿Glorifican las posiciones tecno-eufóricas, como hicieron los futuristas en los años veinte? ¿O están más interesados en los efectos subcutáneos del cambio tecnológico?

Ironía y ludismo

Muchos artistas abordan la medición, la fetichización y la domesticación del cuerpo y la cuestión de cómo influyeron los logros técnicos. Algunos adoptan una perspectiva irónica y lúdica, como la artista japonesa Atsuko Tanaka con su instalación lumínica.

En muchas obras se pone de manifiesto lo mucho que han envejecido algunas utopías -tanto técnicas como sociales-, cómo han fracasado y han sido superadas por nuevos desarrollos. Un retablo mural del suelo al techo con una línea de tiempo establece referencias a los acontecimientos de la época en la sociedad, la tecnología y la política.

Desafíos

Los decenios de 1960 y 1970 son muy productivos y, por tanto, un punto de atención. Produjeron una serie de obras que mostraban el cuerpo como escenario de luchas sociales y políticas o de resistencia feminista.

La pieza mural de Kiki Kogelnik Bye, Bye Baby, de 1964, por ejemplo, podría leerse sin duda como una contribución al debate actual sobre el empoderamiento del cuerpo y el aborto. El objeto parecido a una muñeca sexual Pequeña mujer de la televisión": I Am the Last Woman Object, de Nicola L., de 1969, es también una contribución al feminismo.

Límites

¿Cuánto de humano y cuánto de técnico hay en un cíborg? Así, más recientemente, han surgido cada vez más temas ciborg, como en la obra de Dinkins o Aleksandra Domanović. La biotecnología y la compulsión por la autooptimización cobran importancia.

Extremadamente refrescante - en todos los aspectos: el banco de empuje de vaselina de Matthew Barney en una habitación fría. La perfección física y la visibilidad permanente -también en los medios sociales- están ganando en importancia. Y el arte actúa como un sensor cuyas vibraciones son traducidas por los artistas -a veces fascinados, a veces de forma bastante crítica- en escultura, objeto e instalación.

Mark Leckey se adentra en el arte en tiempos de reproductibilidad técnica, en el Internet de las cosas y en la interconexión de personas y tecnología con la instalación en tres partes, del tamaño de una habitación, UniAddDumThs.

Los tres retablos con los títulos "Animal", "Humano", "Máquina" fueron adquiridos por el museo hace dos años y se presentan aquí por primera vez. Dominan literalmente el sótano, por el que también se desplaza, como si fuera a cámara lenta, la escultura con forma de falo Float de Robert Breer. El alocado viaje de Leckey a través de los milenios fusiona el pasado y el futuro y lo demuestra: La fascinación del arte por la transformación tecnológica del cuerpo es antigua y sigue vívida.

Artes visuales y exposiciones