Somos extraños a nosotros mismos

Ntozhake I © 2016 by Zanele Muholi

La representación del ser humano es tan antigua como la misma humanidad. 

Muchos pintores y escultores lo han intentado y practicado. 

Al aspecto histórico-artístico se une el sociopolítico. Es que la forma en que se diseña un retrato dice mucho del sujeto y del creador.

Paula Modersohn-Becker, «Retrato de una niña con las manos abiertas delante del pecho», 1905. © 2022 by Von der Heydt-Museum Wuppertal.

Esto es dable de admirar también en la impresionante exposición Fremde sind wir uns selbst. Bildnisse von Paula Modersohn-Becker bis Zanele Muholi (Somos extraños a nosotros mismos: Retratos de Paula Modersohn-Becker a Zanele Muholi), que se extiende desde el 21 de agosto al 29 de enero del año próximo en el renombrado Museo Von der Heydt, de Wuppertal.

Teatro danza

Pieza enlazada

En cooperación con el Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, el museo presenta asimismo obras de la artista Senga Nengudi, algunas de cuyas otras creaciones están siendo expuestas simultáneamente en la exhibición Future Bodies from a Recent Past que tiene lugar en estos meses en el Museo Brandhorst, de Múnich, Nengudi estudió danza y escultura en Los Ángeles a principios de la década de 1960 y sigue combinando el movimiento y la escultura de forma sorprendente en sus obras.

Sus objetos, fabricados con los materiales más sencillos de la vida cotidiana, como medias de nailon, papel de periódico y láminas de plástico, por un lado, enlazan con el arte minimalista que predominaba en California en aquella época y, por otro, amplían el espectro artístico para incluir la disciplina de la danza. Hoy en día, Senga Nengudi es considerada una legendaria artista de vanguardia.

Maria Blanchard, «Desnudo femenino de pie», hacia 1912. © 2022 by Von der Heydt-Museum Wuppertal.

La presentación, que se concentra en una sala aparte y puede verse paralelamente a la muestra Extraños somos nosotros mismos, fue creada en colaboración con el Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. El punto de partida fue el encuentro con Julie Anne Stanzak y Alexander Bălănescu en el contexto de una exposición en Múnich en 2019.

En esta ocasión, Senga Nengudi invita a los bailarines de la compañía a relacionarse libremente con la Performance Piece (1977/2022), cedida por el Centro Pompidou de París, que es el centro de la exposición.

Las esculturas R.S.V.P. (“répondez, s'il vous plaît“), también expuestas, se mueven por el exterior sin ningún tipo de activación: aquí, las mallas de nailon se llenan de arena, cuyo peso proporciona un movimiento lento pero constante. La artista entiende el título -en francés "Répondez s'il vous plaît", en alemán "Um Antwort wird gebeten"- como una invitación a los espectadores.

Retratismo

Wilhelm Lehmbruck, «Busto femenino y cabeza masculina», 1912. © 2022 by Von der Heydt-Museum Wuppertal.

La fascinante exposición de pinturas y fotografías del Von der Heydt-Museum Wuppertal explora, desde el siglo XIX hasta la actualidad, la tensión entre el autorretrato y el retrato en el arte. El espectador puede apreciar en las fotos o pinturas como el condicionamiento social y la codificación desempeñan un papel importante en la autopercepción y la percepción de los demás.

Muchos artistas están aquí representados: Desde Paula Modersohn-Becker, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Edgar Degas, María Blanchard, Pablo Picasso, Edvard Munch, Max Oppenheimer, Kees van Dongen, Oskar Kokoschka, Max Beckmann, Albert Weisgerber, Auguste Herbin, Heinrich Maria Davringhausen, Emmy Klinker, Lovis Corinth, Rudolf Schlichter , Wols, Francis Bacon, Miriam Cahn, Marliese Darsow, Nicole Aders, August Sander, Tobias Zielony, Emil Rudolf Weiss, Franz Roh, Wilhelm Lehmbruck, Christian Schad, Josef Scharl, hasta la actualidad con la fotógrafa Zanele Muholi.

Constante movimiento

En el prefacio del catálogo de la exposición, publicado por el propio Museo Von der Heydt, su director general, el historiador del arte Dr. Roland Mönig, afirma que:

Nuestras sociedades están en movimiento, más que nunca. Los encuentros con el otro, con el extraño, forman parte de nuestra vida cotidiana. Sin embargo, también desencadena miedos e incluso agresiones. La cuestión de lo propio, de la identidad tanto del individuo como de los grupos culturales o sociales, es muy sensible, precisamente porque nunca es algo fijo, algo dado sin presuponer, sino algo que se está formando de nuevo constantemente.

Género y origen étnico

Zanele Muholi, «ZaKi», Kyōto/Japan, 2017. © 2022 by Zanele Muholi.

La exhibición está comisariada por la historiadora del arte Dra. Anna Storm, quien ha creado una presentación muy personal y toca temas como el género, la clase social y el origen étnico. A principios de 2021, un coleccionista de Wuppertal se dirigió a la Dra. Storm para ofrecerle seis obras fotográficas de Zanele Muholi en préstamo permanente para el Museo Von der Heydt

De inmediato, la experta se sintió fascinada por esas fotos:

(…) tienen tanta franqueza y atrevimiento, son increíblemente modernas y reflexivas y tienen un enorme poder simbólico. (…) un nivel muy emocional, directo y atractivo (…) jugando con las convenciones de género de manera sutil.

A partir de entonces sintió el deseo de hacer una exposición con ellas. Al fin y al cabo, todo el mundo habla de Muholi, la artista dedicada a la fotografía, el vídeo y las instalaciones, nacida en Sudáfrica en 1972. Sus obras acaban de ser expuestas en el Gropius-Bau, de Berlín, y en el Bildmuseet Umeå, de Suecia.

Galardón

Zanele Muholi, conocida por sus autorretratos fotográficos, con rostros muy intensos y expresivos, recibió el año pasado el Premio Internacional Spectrum de Fotografía, de la Fundación de Baja Sajonia y el Museo Sprengel, en Hannover.

Percepción y autopercepción

Albert Renger-Patzsch, «Pescador de cangrejos», Halligen, 1925/1979. © 2022 by VG Bild-Kunst, Bonn.

El título de la exposición está tomado del libro homónimo (Etrangers à nous-mêmes, Gallimard, Paris 2001, ISBN 2-07-032618-7), de la psicoanalista, filósofa, teórica de la literatura y escritora Dra. Julia Kristeva, que gira en torno a la tensión entre la autopercepción y la percepción de los demás. En su libro, Kristeva cuestiona la idea de la identidad como un todo cerrado. Según ella, lo extraño forma parte de todo ser humano, como una cara oculta de la identidad. Por lo tanto, la identidad no es estática, sino fluida y se adapta a las circunstancias.

A partir de las obras de la exposición, se puede observar cómo los artistas se retratan a sí mismos y cómo retratan a otras personas, y cómo los retratos contribuyen a la formación de la identidad o sirven para el autocuestionamiento. Se observan diferentes formas de puesta en escena, que a menudo van de la mano de ideas evolucionadas y estereotipos de las personas.

Para la Dra. Anna Storm, comisaria de la muestra:

Según la tesis central de Kristeva, en la misma medida en que somos extraños a los demás y nos resentimos, también somos extraños a nosotros mismos, y seguimos siéndolo. Y es precisamente esto lo que la filósofa reconoce como la clave para tratar la alteridad. Porque cuando lo extraño se percibe como propio, la oposición entre lo extraño y lo propio se anula y las dos categorías se funden. En términos sociopolíticos, esto es más que deseable.
En el género del retrato se observan las diferencias entre la percepción del otro y la percepción del yo. Por supuesto, esto se ve especialmente bien en la comparación de autorretratos y retratos. Entonces, ¿cómo se retrata una persona a sí misma y cómo es retratada por otra? Es decir, la visión desde el exterior, la visión ajena y la propia visión de uno mismo. Pero también es interesante ver cómo influyen los aspectos sociales, culturales y de género en la representación de las personas y cómo esta representación se correlaciona con la propia percepción. (…) Como espectador, se puede ver en las fotos o pinturas aquí expuestas como el condicionamiento social y la codificación juegan un papel en la autopercepción y la percepción de los demás. (…) Cada persona asume diferentes papeles en situaciones diversas. La única cuestión es si ello es escenificado o auténtico.

Escenificación

Las obras de la exposición permiten explorar esas ambivalencias y sus alcances, lo cual revela cómo la percepción de una persona está guiada o influenciada por la puesta en escena de una imagen.

Francis Bacon, «Estudio para un autorretrato», 1981. © 2022 The Estate of Francis Bacon.

En los retratos de personas de Paula Modersohn-Becker, por ejemplo, lo personal e individual se abstrae para encontrar una generalización y una forma nueva y obstinada. Francis Bacon describe en sus cuadros situaciones humanas extremas y la exposición del hombre al mundo, rechazando los retratos pictóricos. Y los impresionantes autorretratos de Zanele Muholi, en su juego sutil con las convenciones de género específicas, apuntan con gran coherencia a la disolución de las narrativas represivas, en el sentido del activismo visual.

El retrato clásico se centra en el rostro. El cuerpo a menudo se desvanece o se corta, pero siempre forma parte de la persona. El cuerpo es el límite físico del yo. La piel, como cáscara envolvente, es el umbral entre el interior y el exterior. Sobre todo desde la década de 1960, el cuerpo se ha convertido en un material y una superficie de juego en el arte.

Nunca un todo

Miriam Cahn, «American Woman III», 1981. © 2022 by Miriam Cahn.

Los aspectos sociales, culturales o políticos se negocian a menudo con el cuerpo como representante. Los retratos están dedicados a cuerpos sin representar identidades. Los cuerpos muestran posturas enredadas. Los brazos y las piernas, por ejemplo, están doblados y se cubren entre sí o con el torso, el cuerpo está bien encuadrado o en cuclillas hasta alcanzar una forma redonda. El cuerpo nunca se presenta como un todo. A menudo estas posturas tienen un efecto protector.

En contraste con el desnudo masculino, el desnudo femenino es mucho más común en el arte. El cuerpo femenino expuesto se interpreta a menudo como un objeto visual. Aunque el cuerpo sirve a menudo como superficie de proyección de inscripciones estereotipadas e ideas que han crecido, el cuerpo es igualmente parte de una individualidad que se expresa.

Los desnudos que se muestran aquí no son meros objetos pasivos de contemplación, sino que pueden interpretarse como expresiones de sujetos activos conscientes de sí mismos. Este cuerpo autoconsciente funciona como una doble superficie de proyección.

Apertura

Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), «Claude Prévert», 1937. © 2022 by Von der Heydt-Museum Wuppertal.

Las figuras cuyos ojos se dirigen a un objetivo que no se ve o que está fuera del espacio pictórico suelen aparecer mentalmente ausentes, absortas en sí mismas. En contraste con las figuras que miran directamente a los espectadores, parece como si no se dieran cuenta de que los están mirando. Esto se interpreta a menudo como una visión voyerista desde el exterior.

Si la atención de las figuras se centra en algo que se nos oculta, esto solo puede interpretarse desde fuera. Se crea un espacio narrativo en blanco en el cuadro y uno se enfrenta a los límites de su propia percepción. Las figuras inmersas en sí mismas encarnan en un grado particular un retiro o repliegue hacia el interior. Su postura puede interpretarse como un símbolo de autorreflexión o autocuestionamiento.

Intimidad

Tobias Zielony, «Maria», 2016/17. © 2022 by Tobias Zielony und KOW, Berlin.

La cercanía entre el personaje y el espectador puede transmitirse pictóricamente de diferentes maneras. Verbigracia, dirigiéndose directamente al espectador mediante el contacto visual. O a través de un primer plano, un detalle de la imagen elegido con precisión que nos da la sensación de acercarnos a la persona que tenemos enfrente.

Nicole Aders, «Peter Kowald». © 2022 by Nicole Aders.

Esta proximidad compositiva suele asociarse a la cercanía emocional, es decir, a un sentimiento de empatía. Pero la imagen sigue siendo una superficie. Solo en la imaginación se puede penetrar en lo más íntimo. La percepción de la cercanía y la intimidad es subjetiva y se configura cultural o socialmente. La zona de confort individual, es decir, el radio imaginario que las personas trazan a su alrededor para protegerse de un exceso de cercanía, varía considerablemente según se trate de seres queridos, conocidos o desconocidos quienes estén involucrados.

Con la perspectiva de esta muestra, surge una nueva mirada sobre las obras ya conocidas de la maravillosa colección del prestigioso Museo Von der Heydt, de Wuppertal. Éstas ofrecen aquí otras narrativas, discursos y contextos. Siguiendo el espíritu de la Dra. Julia Kristeva, la exposición no fuerza una yuxtaposición diametral, sino que busca un terreno común, con gran éxito.